Django. La D es muda.

Tarantino lo ha vuelto a conseguir otra vez. Ha creado otra obra de arte que a buen seguro no dejará a nadie indiferente. El género escogido esta vez ha sido el western, el cual ha sabido llevar a su terreno a la perfección.
Esta película, con el indiscutible sello de Tarantino, no sólo narra la historia de un esclavo negro con sed de venganza sino que retrata la América que traficaba con esclavos, que maltrataba a personas y las sometía por el mero hecho de pensar que eran inferiores.

Esta producción refleja el buen hacer de Tarantino y el de todo un equipo técnico y artístico volcado con el proyecto, el cual será premiado por la crítica y el respetable, y seguro que también con más de un galardón.
Hay quien pueda pensar que tal logro de conseguir crear una buena película con los medios de los que dispone Tarantino es una tarea fácil y sin mérito, pero puedo asegurar que disponer de los mejores medio posibles no asegura el éxito.

Django Desencadenado fue escrita a principios de 2011 y realizada en 2012 por Tarantino. Cuenta con un renombrado elenco de actores: Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio y Christoph Waltz, entre otros.

Django es un esclavo negro que, tras ser vendido y separado de su mujer, se alía con un cazarrecompensas, el Dr. King Schultz, para llevar a cabo su venganza y liberar a su mujer.
A penas con estas líneas se podría resumir la película. Al menos, esto será lo que muchos recordarán tras verla pero, si ahondamos un poco más, encontramos una historia mucho más profunda.
Y es que en esta película se nos presenta la lucha de un hombre por su libertad.

Tarantino pretendía hacer una película que tratara sobre el horror que aconteció en EEUU en la época de la esclavitud. Un tema que aun es tabú para la sociedad estadounidense y sobre el que tan sólo él podría llegar a ironizar en algunas partes de esta película. Y, sin duda, la mejor forma de hacerlo era con un western, ya que dicho género permite abordar el tema de una forma menos forzada y con cierta verosimilitud.
Pero este no es un western convencional, aunque el realizador ha tratado de respetar todos los elementos de este género. Tanto la banda sonora como la ambientación pasando por la actitud de los personajes dejan claro que este es un western con el toque profesional del gran Tarantino.
Otro de los toques del genial realizador es aunar en una película varios estilos y conseguir que todos se compenetren de una forma natural.
Consigue mediante la realización apoyar lo que cuenta el guión haciendo uso de unos planos capaces de contar la historia por si solos. Sigue manteniendo la costumbre de mostrar todo lo que ocurre sin censura, de la forma más explícita posible y sin escatimar en detalles. De igual manera, continua con sus efectos de "Serie B", los cuales se han convertido en seña de identidad de su cine.

Mantiene el mismo estilo de fotografía en todo momento, incluso en algunos flashback que abordan al espectador por sorpresa. Debido a esto, el espectador se puede llegar a sentir confuso, ya que de primeras parece un salto importante y no se adivina en qué dirección hasta pasados unos minutos. Se podría haber evitado esto mediante algún efecto o cambio en la fotografía que indicara que es un flashback.
Otra de las licencias que Taratino se permite es la de saltarse el eje, lo cual puede hacer pensar que los personajes van en otra dirección. Aun así, estos saltos de eje se dan de forma puntual y apenas se aprecian. En esta película, Tarantino armoniza entre los planos típicos del western como planos de 3/4 o grandes planos generales con otros planos más arriesgados como en su momento hiciera Sergio Leone, aportando así su toque personal y algo de aire fresco a un género que parece volver a ponerse de moda. Entre estos planos podemos encontrar el subjetivo desde el maletero, patentado por el propio Tarantino, así como los zoom in a gran velocidad que pasan de un plano general al primer plano de uno de los personajes. La cámara no puede estar mejor situada en todo momento. Tarantino se apoya sutilmente en el encuadre para mandar mensajes subliminales al espectador. Como claro ejemplo tenemos cuando Django llega a un pueblo con el Dr. King Schultz y su cabeza queda enmarcada por una horca que hay colgada. Por supuesto, algo que no falta, como en todas sus demás películas, es un plano de los pies, su fetiche por excelencia.
En la fotografía se emplean tonalidades suaves, sin demasiado colorido. Lo apropiado para este género. Aunque en alguna que otra ocasión podemos ver algún color que resalte en algún detalle específico como el primer atuendo que escoge Django tras su libertad, esto explica el cambio social que ha tenido el personaje.
Tarantino usa el desenfoque sin abusar demasiado para dar profundidad al plano.

Como ya he comentado antes, uno de los puntos fuertes de esta película, e indiscutible firma del realizador, son los efectos especiales.
Como en sus anteriores trabajos, en esta película encontraremos impresionantes explosiones, muchos disparos y sobretodo sangre, mucha sangre. Tarantino continúa con sus guiños al manga en las muertes utilizando una gran cantidad de sangre que sale disparada a chorros de los cuerpos de los actores.
Tanto los efectos especiales como la caracterización de los personajes están muy logrados y bien integrados, sin llegar a desentonar en ningún momento con los elaborados decorados, de los cuales se ha cuidado hasta el último detalle. También hay que hacer mención a los preciosos paisajes que se muestran en los planos generales donde vemos parajes tan diversos como una preciosa montaña nevada o un infinito desierto.
La localización del rodaje no podría haber sido más acertada.

La banda sonora de un western suele ser muy específica y es por es que, con sólo escuchar la BSO de Django, podríamos adivinar que se trata de una película de este género. Como en su momento hizo Sergio Leone con la novedosa y brillante BSO compuesta por Morricone para su trilogía del dolar, Tarantino ha sabido escoger una BSO capaz de acompañar, magistralmente, cada momento de su historia. A lo largo de la película se oirán desde temas originales como los de Morricone hasta temas impactantes y novedosos como el de Freedom de Hamilton y Boynton, además de algún que otro rap que no desentonada nada con el resto. Y es que en la diversidad, está lo bueno.
Pero además de la BSO hay otra parte interesante en esta película en el ámbito del sonido. Y es que es muy recomendable verla en VO, ya que los actores han respetado los acentos de sus personajes, reforzando, así, más la personalidad de cada uno de ellos.
Aunque también hay que reconocer que el doblaje en castellano no tiene mala pinta y también se respetan, en cierta medida, los acentos.

Los actores no podrían estar mejor situados en el decorado. Llenan todo el espacio abriendo el campo visual del espectador en los planos generales. A la hora de moverse, lo hacen con decisión y orden, en la dirección correcta, aunque esto depende más de la situación de cámara y el montaje de los planos, reafirmando el carácter y la personalidad de su personaje.

Muchos actores se rifaron la piel de Django, entre ellos se pensó en Will Smith, pero finalmente este papelón le calló a Jamie Foxx.
Algunos pensaron que este actor no estaría a la altura para interpretar un papel en una película de Tarantino, más concreto un papel tan duro como el de Django. Él mismo se ha encargado de cerrar todas esas bocas con una soberbia actuación.
Jamie tiene que poner rostro a un personaje abandonado por la suerte y maltratado por una vida injusta. El cual sabe resurgir de sus cenizas para adaptarse a una nueva vida y plantar cara a todo lo que se interponga entre él y su objetivo: su libertad y la de su mujer.

Ha logrado una meta, no sólo encarnar sino crear un héroe, un luchador contra la esclavitud. Debieron ser duros para Jamie y todo el equipo el realizar algunas de las secuencias de estas películas. No por la dificultad técnica sino por lo que veían a través del monitor. Incluso Tarantino reconoció haber llorado mientras él mismo rodaba algunos de los planos con la cámara. Lo ha bordado creando desde cada gesto hasta el acento sureño de su personaje.
Este actor ha logrado una de las interpretaciones más portentosas de toda su carrera hasta la fecha.

Otro pilar sobre el que se apoya esta producción es el ya conocido por Tarantino, Christoph Waltz, el cual interpreta al Dr. King Schultz.
Este personaje aparece de la nada aportando misterio y una nueva vida para Django. Un cazarrecompensas que "compra" a un esclavo para que le ayude en una de sus misiones a cambio de libertad. Pero lo que comienza como asociación termina como una alianza.
Waltz da vida a un personaje que se hace querer por el público. Serio pero con ese punto cómico tan característico del que siempre ha dotado a sus personajes. Se desenvuelve con elegancia ante todo lo que debe afrontar en cada secuencia sin complejos ni temor. Un actor de talla abriéndose hueco entre el protagónico, Jamie Foxx, y el antagónico, Leonardo DiCaprio.

Leonardo DiCaprio siempre me ha parecido un gran actor, el cual parece que debe demostrar a la crítica en cada película que es un actor válido y capaz para cualquier personaje. A veces en entredicho, demasiadas veces, este eterno joven rostro da vida a un terrateniente amante de la brutalidad.

Calvin Candie es un excéntrico que toma de la vida lo que quiere y cuando quiere. El típico niño de mamá ya crecidito con complejo de dios. Soberbio y estúpido a partes iguales, pero inteligente y sádico cuando lo requiere la situación.
DiCaprio crea un personaje complejo y completo. Del que se intuye el pasado y se prevé el futuro. Al ver a Candie no se percibe a DiCaprio, y para mi, esto es lo importante en la creación de un personaje. Aun así, DiCaprio aporta al personaje su humildad y su pasión. Y una serie de ademanes y gestos característicos del actor. Ha sabido afrontar desde las partes más sencillas de su personaje hasta las más complicadas.

Arropando a estos tres grandes actores tenemos todo una séquito de secundarios, figurantes y figurantes especiales que se reparten entre los diversos roles de esta producción.
El más importante es, sin duda, el principal objetivo que mueve al protagonista. Incluso se podría decir que es algo más que un personaje secundario. Broomhilda es interpretada por la sensual Kerry Washington. Ella es la amada mujer de Django. Una mujer maltratada, un objeto incluso para los suyos. Kerry supo crear con valentía un personaje sumiso que sufre física y mentalmente a lo largo de toda la película, en cada una de las secuencias en las que sale, el maltrato de ser un objeto más de la casa. Gran interpretación con el cuerpo y la mente de esta casi desconocida actriz.
Otro personaje a tener en cuenta es el encarnado por el veterano Samuel L. Jackson. Se encarga de dar vida a Stephen, un esclavo arrogante de Candie con ciertas libertades. Una vez más, este actor se pone bajo la dirección de Tarantino. Aunque interpreta un pequeño papel, Jackson hace una gran interpretación. Transmite fuerza en cada uno de sus movimientos, esa rebeldía que siempre ha aportado a sus personajes.
Sin duda, Tarantino sabe que Jackson es sinónimo de calidad, sea cual sea el papel que le tenga reservado.

Y por supuesto, como en todas las demás, en esta producción no podía faltar la aparición en escena de Tarantino. Como hiciera Hitchcock, Tarantino siempre se tiene reservado un papel para sí mismo, bien sea de secundario o de figurante, como es en este caso. Esta vez su papel tiene cierto peso en la trama y aporta ese toque picante que tanto le caracteriza.


El resto de figurantes se involucran bien, sin desentonar con el resto de las actuaciones. Tanto los movimientos como las gesticulaciones están bien llevadas a cabo.

Django debió ser una producción difícil de llevar a cabo por la explosión de sentimientos que se da en cada plano y el significado total de la película. Considero que Tarantino ha aportado elementos novedosos al western y esto le vendrá bastante bien al género para continuar estando en primera línea. Esta historia no se podría encontrar más cómoda en otro género, ya que el western le aporta todo lo que necesita.

Tarantino ha sabido llevar unos acontecimientos tan dramáticos como la esclavitud en EEUU a la gran pantalla con buen hacer y todo el respeto necesario, pero al mismo tiempo con cierta ironía y sarcasmo.
La excelente realización no hace más que reforzar la emocionante historia que cuenta el guión y el cual los actores interpretan de forma magistral. Tanto la ambientación visual como la sonora están más que logradas trasladando los sentidos del público a esa época.

Como casi toda historia, ésta también envía un claro mensaje al espectador.Y es que no encontrar similitudes entre la lucha de Django por su libertad y la lucha en las manifestaciones de los ciudadanos por no perder derechos es complicado.
En esta película se denuncia el exceso de cualquiera autoridad sobre el ciudadano. Y trata de enseñar que, sin dejar de luchar por lo que se quiere, todo es posible.

Sin dudarlo, esta es una película de obligado visionado, tanto por lo que trata por cómo lo trata. Además, merece la pena, mucho, ver la gran actuación del trío principal de actores. Aunque el western no sea un género del agrado de mucho y este sea un factor que eche hacia atrás a la hora de verla, aseguro que por todo lo demás, merece la pena.

Atando cabos

Aquí os dejo mi último proyecto terminado. Se trata de un vídeo promocional del DJ Jesús Vaquerizo. Un joven artista de Herrera del Duque con unas cualidades para la creación de música excepcionales y que, bien seguro, tendrá una gran proyección a nivel nacional.

Grabé los brutos para editar este vídeo durante su colaboración en el Festival Benéfico Por un puñado de arroz, en el cual participó para ayudar a recaudar alimentos para el Banco de Alimentos.
Grabé un plano master sobre el cual he montado fragmentos de otros vídeos que grabé con diferentes encuadres y tiros de cámara. Decidí no añadirle demasiados efectos ni filtros, ni incluir planos demasiado llamativos para evitar eclipsar con demasiada parafernalia la brillante actuación del DJ. Desde un principio tenía claro que había que dar más importancia a lo que se ve que cómo se ve ya que se trata de un vídeo promocional.
He tratado de dejar el plano master en las partes del vídeo en el que el DJ manipulaba más la mesa para que se viera su trabajo sin cortes y lo más veraz posible, mientras que en las partes en las que apenas había actividad por su parte le he metido los cortes para dar dinamismo al vídeo. El audio es en directo, recogido por el micro de cámara.
Para los créditos he usado una tipografía sencilla, blanca y sobre un fondo negro para hacer más fácil su lectura. Los créditos de inicio aparecen sobre el fondo negro para después fundirse sobre la imagen, mientras que los créditos finales se funde sobre negro.
Como digo, al tratarse de un vídeo promocional, se debe dar más importancia a lo que se ve que a cómo se ve.





Otro proyecto que terminé esta semana fue el de la edición de la representación teatral EL Avaro, llevado al escenario por la Asociación Cultural Castillo de Herrera.
La edición de este vídeo fue sencilla. Me llevó más tiempo editar los rótulos y exportarlo que editar el propio vídeo. Grabé la obra el día de la representación en Herrera del Duque, en un plano general ya que el absoluto lleno y la falta de medio me impidió hacer más tomas. Por lo que tan sólo tuve que pegar los dos actos de los que se compone la obra y ponerle los créditos.
No le añadí filtros ni retoques para evitar contaminar el trabajo de la iluminación.
Tuve ciertos problemas con la exportación ya que al tratarse de casi dos horas de vídeo, al exportar el archivo final pesaba demasiado y tuve que comprimirlo, buscando un equilibrio entre la calidad y el tamaño del archivo. Aun así, conseguí el objetivo y lo pude entregar el producto final a tiempo.

Debo agradecer a David Díaz sus consejos y su ayuda durante la exportación de El Avaro. Sin su ayuda habría perdido más tiempo del necesario, tiempo que no tenía.

Cerrados estos proyectos, me dispongo a comenzar otros nuevos. Pronto tendréis más noticias.

Un saludo.

S.D.R: Sombras de un sueño.

Acaba de ver la luz el nuevo videoclip de Sombras de un sueño de S.D.R.

Este joven grupo de heavy metal se formó en la extremeña localidad de Herrera del Duque a finales del año 2012. Sus cuatro miembros: Mario, Carlos, Alex y Josemi componen y tocan temas comprometidos con los problemas de la sociedad actual, denunciando a través de su música todo cuanto les desagrada.
Los ritmos pegadizos y sus sangrantes letras harán que este grupo llegue bastante lejos.

Ellos mismos se han encargado de grabar su primer videoclip. Este ha sido su bautismo de fuego en el mundo de la música ante todo el mundo y han tenido una acogida bastante buena.
Esperemos que este grupo continúe por ese buen camino y cosechen muchos éxitos.

Aquí os dejo el videoclip Sobras de un sueño:

La mosquitera

Debo reconocer que comencé a ver esta película con desgana y, ni mucho menos, pasaba por mi cabeza analizarla. Incluso después de verla, y haberla comprendido, me dejó frío. No es que me arrepintiera de haberla visto, eso nunca, pero la indiferencia con la que me dejó era evidente.
Aun así, esto no quiere decir que el trabajo de Agustí Vila y el resto del equipo haya sido malo. Esta mañana he tenido tiempo para reflexionar y creo que, mediante el guión y la realización, Vila cuenta una historia poco apetecible y endiablada pero interesante.

La mosquitera, escrita y realizada por Agustí Vila en el año 2010, cuenta con un reparto digno de mención entre los que cabe destacar a Emma Suárez, Eduard Fernández o Geraldine Chaplin.

Vila, narra la vida de una familia un tanto atípica cuyo final es la inevitable destrucción. En este drama coral clasificado por muchos como comedia, cada uno de los personajes encuentra lo contrario a lo que busca, sufriendo todo aquello que siempre trataron de eludir.

El realizador se encarga de reflejar la humillante situación a la que llegan los personajes, los cuales parecen manejados perversamente sobre un escenario un tanto caótico, de una forma natural y sin demasiada parafernalia, lo que provoca que toda la atención a la hora de su visionado se centre en los personajes y lo que les ocurre.
Lejos de insinuar, en la película se muestran toda las situaciones sin censura ni remilgos, por muy impactantes o hirientes que éstas puedan ser. Vila no trata de ocultar nada; si bien es cierto, las imágenes explícitas y los momentos más duros de la película son tratados con total respeto y buen hacer, mostrando tan sólo de ellos lo necesario con inmejorables tiros de cámara y acertados cortes.
Esta película recoge cuatro historias diferentes entre sí pero conectadas por un mismo nexo, la familia. Cada una de estas historias están retratadas de igual manera, sin diferenciar entre sí mediante alguna técnica en especial o algún cambio en la fotografía. Sin embargo, si son los mismos personajes los encargados de unir unas historias con otras, esto hace que el conjunto sea mucho más compacto para evitar así que el espectador pierda interés o se desubique por los saltos entre las diferentes tramas.

La imagen es suave, con los colores un tanto lavados y tonos neutros. Aunque juegue con el desenfoque e incluya unos cuantos planos algo más elaborados, estos tan sólo se limitan a encuadrar la acción narrada por el guión. De nuevo se prioriza la atención sobre lo que cuenta el guión que sobre lo que cuenta el realizador.
La cámara fija y el poco movimiento de la misma mediante trávelins o paneos, evitan que se logre ese efecto de realidad que hubiese dado la cámara al hombro. Aunque hay que señalar que los tiros de cámara y los encuadres son acertados y armoniosos.

En cuanto a la banda sonora, cabe destacar que está excelentemente integrada con la imagen. Se diluye con el todo de forma excepcional siendo acertada la elección de los temas que la componen. Incluso, uno de los temas, pasa a formar parte activa de la acción al convertirse en la canción que bailan Alicia y Sergi en la fiesta de cumpleaños de Lluís.
Aun así, el elemento más destacable es el diálogo y el idioma en el que se desarrolla. Es necesario ver la película en estricta versión original, la cual es en castellano y catalán. Ambos idiomas se mezclan en las conversaciones en las cuales, algunas veces, unos hablan en catalán y otros contestan en castellano y viceversa. Esto no se debe a un capricho del guionista, ya que tiene su explicación. El hecho de que en las conversaciones se usen ambos idiomas es para reforzar la falta de comunicación entre los personajes que entablan dichas conversaciones. El distanciamiento entre algunos personajes se hace así más evidente.
También es algo llamativo que el personaje de Maria hable a través de Robert. Este hecho no sólo indica la enfermedad que padece María sino lo dependiente que es de Robert y lo que éste la manipula.

Los personajes se mueven poco y de forma ordenada por las localizaciones. Prácticamente toda la historia transcurre en interiores y sólo hay algunos exteriores que dan algo de respiro, tanto a la historia como al espectador.
La decoración y el atrezzo en las viviendas es escaso pero suficiente.

El peso de la obra no cae sobre un personaje en particular pero si es cierto que Alicia es el personaje que más sufre y más situaciones delicadas vive durante toda la película.
Emma Suárez interpreta el papel de una mujer capaz y fogosa que se aferra a la vida y al amor con todas sus fuerzas, la cual es capaz de hacer cualquier cosa por su hijo Lluís. Su personaje busca durante toda la película un amor vivo que la haga sentir joven.

Emma actúa sin remilgos ni límites dotando a su personaje de veracidad, consiguiendo que el espectador sienta empatía por su personaje. Esta actuación le permitió ganar La Espiga de Oro y una nominación a los Goya como mejor actriz.

Otro personaje importante es sin duda Miguel, interpretado por Eduard Fernández. Este personaje es ordenado hasta la saciedad, tanto con lo que le rodea como con sus sentimientos. Pretende escapar de las excesivas y constantes muestras de amor de Alicia y encontrar un amor al que poder poner horarios.
Eduard aporta serenidad y elegancia a un personaje silencioso que soporta una pesada carga. Se mueve con soltura por las diferentes situaciones que le asaltan y tampoco tiene problemas en abordar situaciones delicadas.

Lluís es interpretado por el debutante Marcos Franz. Es un joven empequeñecido por los problemas de sus padres y el cual se siente culpable por vivir. Marcos logra crear un personaje invisible pero con un gran peso sobre los demás.
En el otro extremo tenemos a Álex Batllori que interpreta a Sergi, un compañero de Lluís al cual desborda la peliaguda situación que vive. La situación por la que pasa el personaje de Álex sobrepasa la propia actuación del actor, aun así, consigue aportar la soberbia necesaria a su personaje.
Raquel y Susanna, son interpretadas por Anna Ycobalzeta y Noa Schinnerling respectivamente. Madre e hija viven su drama particular. Raquel pretende educar a su hija de una forma ejemplar y sin hacer uso de la violencia, pero no sabe cómo hacerlo. Por otra parte, la pequeña, sufre los curiosos castigos físicos a los que su madre la somete. La interpretación de Anna es un tanto forzada y artificial, no transmite apenas emociones a través de su personaje, mientras que Noa hace correctamente su papel, transmitiendo al espectador su pura inocencia.

Los personajes de Geraldine Chaplin y Fermí Reixach son María y Robert, los padres de Miguel. María es una mujer enferma que vive a través de su marido y la vida de Robert gira entorno a la de su mujer. Ambos se necesitan hasta límites insoportables. Estos dos veteranos actores han conseguido crear un matrimonio original con ligeras pinceladas de locura. Chaplin encarna la dulzura mientras que Reixach da forma a la firmeza. 
Por último, y no menos importante, hay que mencionar la actuación de Martina García como Ana. Ella representa lo que Miguel anhela. Una tentación que se diluye a lo largo de la película. Martina seduce, no sólo a Miguel sino a los espectadores de una forma sutil. Ha dado a su personaje la personalidad adecuada y ha hecho cuando era necesario, sin temores.

Esta película está llena de situaciones complicadas y al límite. Una historia un tanto subreal y llena de casualidades que puede llegar a parecer demasiado artificial. Prevalece el guión sobre la realización. Al final todos los personajes quedan atrapados en su propia mosquitera.
La interpretación a nivel general es la adecuada. Los diálogos no son excesivamente extensos pero si son directos. Las acciones son las necesarias, sin florituras ni gestos innecesarios.
La mosquitera trae situaciones que bien se pueden dar en todos los hogares, ya sea de una forma u otra.

El problema de La mosquitera es que en algunas ocasiones se antoja demasiado lenta y en otras, poco creíble. Es una historia complicada y compleja para el espectador medio, el cual espera lo convencional. No consigue enganchar del todo, es una de esas películas que se hace complicada de ver.
Lo mejor sin duda es la actuación de Emma Suárez, pero esto, no es suficiente.

Si no te agrada el cine independiente con historias profundas y complejas, esta no es tu película.

Trailer de El Avaro

Y tras la crítica, aquí os dejo el trailer que edite sobre la obra de Moliere adaptada por José Pedro Rubio, dirigida por Maite Rodríguez e interpretada por el grupo de teatro de la Asociación Cultural Castillo de Herrera.

Los brutos editados son los que grabé el viernes cuatro de enero en el Palacio de la Cultura de Herrera del Duque, donde representaron, con lleno absoluto, la obra.
La banda sonora que he usado para el proyecto es Lux Aeterna de Clint Mansel. Les sonará bastante, sobre todo a los cinéfilos, por tratarse de la BSO de Requiem por un sueño.

Espero que este aperitivo les sirva para abrir apetito y que conozcan el trabajo de este excepcional grupo de personas.
Si no tienen sus entradas para la próxima representación, no pierdan el tiempo o se quedarán sin ellas.

                  

El Avaro

"El Avaro", adaptación de la obra teatral de Moliere representada por la compañía de teatro de la Asociación Cultural Castillo de Herrera.

Divertidísima adaptación de la creación de Moliere con algunos llamativos cambios que hacen que esta obra sea muy diferente a cualquier otra representada. Una comedia en estado puro con diálogos, acciones y situaciones cargadas de humor, la cual nos muestra la peculiar vida de un avaro contra el mundo por el bien de su fortuna.

Cuenta con un juego de luces y sonido bastante original. La escena está bien iluminada permitiendo así a los actores moverse por todo el escenario sin el problema de quedar en penumbra. Si peca quizá de demasiada intensidad y la luz cae sobre los actores de una forma demasiado cenital, pero esto no afea en demasía a los actores.
Hay que destacar de esta obra los variados efectos de iluminación, que van desde imitar la luz de la luna entrando por una puerta acristalada hasta un cambio de color en la luz que cae sobre el escenario, del cual se sirven para potenciar tanto el estado de algún personaje como para llamar la atención del espectador en un momento puntual. Incluso en una ocasión la luz juega un papel importante teniendo cierto peso narrativo y convirtiéndose en parte fundamental de una situación cómica.

Respecto al sonido, el uso de micrófonos permite a los actores poder modular la voz sin limitaciones; de igual manera, pueden representar conversaciones en escorzo y en un tono más suave. No necesitan forzar la voz para que se les escuche bien. Aunque, por supuesto, los actores tienen capacidad vocal suficiente para representar toda la obra, que dura cerca de dos horas, sin que sus voces desfallezcan en ningún momento.
Por otra parte, los efecto de sonido son únicamente los necesarios. Casi todos los efectos se dan en escena, por no decir todos, como son el sonido de monedas cayendo o el golpear de un trapo con un mueble. Tan sólo la música, empleada para abrir la obra y cerrarla, y el ladrido de un perro en un momento puntual son introducidos en la obra de forma electrónica.
Tanto la iluminación como el sonido están trabajados en esta obra, entrando en el momento preciso y fundiéndose con el resto de elementos haciendo así que no se rompa la continuidad de la representación en ningún momento. La voz de los actores es limpia y clara, y gracias a la microfonía se escucha a la perfección en toda la sala.

Algo que llama considerablemente la atención en esta obra es que todos los actores que figuran sobre el escenario están constantemente haciendo algo, aunque en ese momento el peso interpretativo no caiga sobre ellos. Los actores se reparten con suma coordinación y orden sobre el escenario para ocupar el máximo posible y, así, dinamizar y dotar de vida la representación. Esto es algo muy importante, ya que no permiten que el escenario quede desnudo ni que los actores que llevan el peso de la obra en ese momento se queden solos. Además, se le concede un grado de libertad al espectador permitiéndole mirar donde más desee.
Da una constante sensación de viveza entre los actores y el escenario sobre el que se desenvuelven. Y a pesar de que abunda el texto, los actores se mueven, hacen ademanes, expresan con cuerpo y rostro..., en definitiva, están vivos.
En ciertas ocasiones, algunos de los personajes se dirigen al público apartándose de su posición y hay un momento en concreto en el que el mismísimo Harpagón sorprende al público rompiendo con la cuarta pared, creando así una situación más que divertida.

Sobre el escenario hay unos pocos muebles que sirven como decoración en lo que intuimos un salón en el primera acto y un comedor en el segundo acto. Siempre omnipresentes están dos candelabros con sus velas casi extinguidas, lo cual dice mucho del protagonista de la obra. Un buen detalle, sin duda. El atrezzo es útil y no mera decoración. Los actores se sirven de ello y lo emplean en sus acciones.
La caracterización de los actores es acorde con el texto y la elección del vestuario no podía ser mejor, afín a el estatus de cada personaje. Gracias a esto, la inmersión del espectador en la historia es mucho mayor.

Esta es una gran y larga obra representada con valentía, entusiasmo y rotunda profesionalidad por parte de todos y cada uno de los actores. Cada actor sabe dotar de personalidad propia a su personaje, no sólo mediante la pronunciación del texto sino por sus gesticulaciones y ademanes.
Se les traban las palabras, deambulan con sentido por el escenario, cambian el tono de voz, mascullan... No dan la sensación de ser actores interpretando un personaje en un situación determinada sino de ser esos personajes viviendo esas situaciones.
La realización tiene gran parte de la culpa de que esta representación sea tan cual. De que los actores no se queden estáticos e inertes a un lado del escenario mientras que en el centro pasa la acción. La realización es la causante de que esta obra esté siendo un éxito y agote entradas allá por donde vaya. 

Tuve la fortuna de ir a uno de los últimos ensayos antes de una representación, para la cual ya no había entradas, y pude observar el esfuerzo y el trabajo de todos y cada uno de los actores y de la directora para ofrecer una obra de calidad. Debo admitir que fui con prejuicios pensando que encontraría allí a un grupo de actores sin orden ni control pero no fue así. Me encontré con un grupo ordenado y capaz, actores en toda regla capitaneados por una directora de ideas claras y precisas.

El texto de esta obra nos muestra a un hombre capaz de todo con tal de mantener su fortuna. Pero también nos cuenta la historia de un amor furtivo y la de un amor secreto. La historia de un padre y un hijo enamorados de una misma mujer o la de un hombre que amansa una fortuna a base de su propia podredumbre.

De "El Avaro" podemos esperar una puesta en escena muy cuidada, una escenografía y caracterización apropiadas, unos efectos de iluminación y sonidos llamativos, un texto perspicaz y con grandes dosis de humor, una interpretación sublime y una realización impresionante. Pero sobre todo encontraremos a un grupo de personas que se han dejado la piel por un proyecto más que digno de ver.
Esta es una comedia que transmite el fuerte mensaje de que el dinero no hace más feliz al hombre, sino más avaro. Apta para todos los públicos y realmente divertida. Muy recomendada, sin duda, para todos.

Llevarán esta obra por los diferentes pueblos de la zona como Fuenlabrada de los Montes o Cabeza del Buey. Recomiendo que se compren las entradas con anticipación si no se lo quieren perder, ya que esta obra es un éxito rotundo que acaba con todas las entradas en cuestión de días.
¡¡No os quedéis sin vuestras entradas!!

"El Avaro" tras el telón

Esta tarde he tenido la fortuna de asistir a uno de los ensayos de la adaptación teatral de la obra de Moliere, "El Avaro", por parte de la asociación cultural Castillo de Herrera.

He quedado impresionado por el trabajo, el esfuerzo y el empeño que esta compañía de teatro arroja sobre el escenario. Quizá acudí al ensayo con prejuicios u otras expectativas, no lo sé, pero he de reconocer que para tratarse de una compañía teatral con poco recorrido, su nivel, en todos los sentidos, es bastante alto. Hay que reconocer el mérito de técnicos y actores cuyas profesiones poco o nada tienen que ver con este gremio, habiendo entre el elenco desde directores de bancos hasta pastores o amas de casa. Y es eso lo que hace más especial cada obra que representan. Me resulta emocionante que el teatro haya sido capaz de unir a un grupo de personas tan diferentes para un mismo objetivo, con la capacidad de entretener y acercar el teatro a los habitantes de estos pequeños pueblos, esto es un logro que tan sólo a ellos les pertenece y por lo cual les estoy tremendamente agradecido como amante del teatro.
Espero que continúen con esta labor durante muchísimos años y que nos hagan reír, llorar y, sobretodo, disfrutar con cada obra que representen. Las entradas llevan agotadas prácticamente desde que se pusieron a la venta y estoy seguro de que dejarán claro sobre el escenario por qué se han agotado.

Gracias a esta asociación se abre un amplio abanico de oportunidades para mi en el sector del teatro. Ya que tengo algunas propuestas para ellos que podrían resultarles interesantes. También he podido comprobar que algunos de los actores podría dar el perfil para algunos de los personajes que estoy creando.
Aun así, esto son proyectos a medio-largo plazo en los que aun debo trabajar.
Por el momento, me encargaré de grabar esta obra de teatro y editar un trailer de la misma. Este es el nuevo proyecto que me asalta y el cual haré con sumo gusto.

Auguro un éxito rotundo a este proyecto, no sólo en taquilla sino en la crítica del público. Estoy seguro de que los asistentes disfrutarán de una gran obra muy bien representada.
Yo les prometo una crítica detallada de la obra tan pronto como me sea posible.

"El Avaro" será representado el viernes cuatro de enero en el Palacio de la Cultura de Herrera del Duque, Badajoz.